Chuyển tới nội dung

Hơn 40 chương trình nghệ thuật để xem ngay bây giờ


Kênh đào | Phía Đông Thượng | Phía Đông Hạ | Chelsea | Vậy | Brooklyn | Lời khuyên hữu ích

Thế giới nghệ thuật nên được hiểu là một hệ sinh thái phức tạp với nhiều vi khí hậu và một số vĩ mô, người phụ trách Okwui Enwezor, người đã chết vào tháng ba. Ông có thể đã mô tả địa lý của phòng trưng bày thành phố New York. Trong những năm 1970, khí hậu là vĩ mô và rất ít (Upper East Side, SoHo). Vào những năm 1980, họ được tham gia bởi Làng Đông; vào những năm 1990, bởi Chelsea; và trong những năm 2000, bởi Lower East Side và Brooklyn. Và có sự lan tỏa khắp nơi. Ngày nay, thật khó để gắn thẻ một phòng trưng bày theo quận, như tôi đã biết khi đến thăm một số ít nằm ở hai bên đường Canal, một trục xuyên đảo chạy từ SoHo đến Khu phố Tàu, mà không yêu cầu hoàn toàn trung thành với một trong hai. HÀN QUỐC

Phòng trưng bày mặt tiền cửa hàng nhỏ này, ở khu phố Tàu, cách Canal Street một khoảng cách, nhưng cũng đáng để đi bộ cho buổi ra mắt địa phương của nghệ sĩ LaKela Brown. Vẻ ngoài của bức phù điêu thạch cao chủ yếu màu trắng của cô là khắc khổ. Chủ đề, bling trang trí liên quan đến hip-hop thập niên 1990, thì ngược lại: bông tai gõ cửa, dây chuyền cổ và răng vàng. Tất cả đều là hiện vật của văn hóa nhạc pop mà cô Brown lớn lên cùng ở Detroit, thành phố quê hương của cô. Mặc dù tiêu đề chương trình Tiếng vang, Sự sở hữu bề mặt, Trò chơi gợi ý về một sự loại bỏ quan trọng khỏi văn hóa đó, bản thân tác phẩm, được thực hiện một cách tinh tế, cảm thấy như một cử chỉ tôn vinh. Xếp hàng các bức tường phòng trưng bày, các bức phù điêu có thể đã được nâng lên từ một ngôi mộ hoàng gia cổ đại. Qua ngày 16 tháng 6 tại 56 đường Henry; 518-966-2622, 56henry.nyc.

Trong 25 năm, apexart phi lợi nhuận đã mời các giám tuyển từ khắp nơi trên thế giới để sản xuất các chương trình nhóm theo chủ đề trong không gian nhỏ của nó. Nhiều người trong số các giám tuyển đã là nghệ sĩ, như trường hợp của porpentine Charity Heartscape, nhà thiết kế trò chơi kỹ thuật số đã lắp ráp chương trình hiện tại, Hồi Dire Jank. Giữ cho danh sách kiểm tra của mình ngắn, cô ấy đã bao quanh công việc của mình chỉ với ba game thủ, tất cả trừ một người chuyển giới. Sự ngoại lệ, một nghệ sĩ gọi chính mình là Thecatamites (Stephen Murphy), có một cái nhìn mỉa mai về các trò chơi trường học cũ trong một câu chuyện chinh phục nặng nề nhấp chuột mà không đi đến đâu, rất chậm. Tabitha Nikolai, tự mô tả là một người dọn rác rác rưởi yêu tinh từ Thành phố Salt Lake, cung cấp một tour du lịch qua một biệt thự sang trọng chứa một thư viện Borgesian, một viện nghiên cứu tình dục, và mở ra trên khung cảnh của không gian vũ trụ. Devi McCallion, ngôi sao nhạc rock của nhóm, mang đến một lời cầu xin tuyệt vọng, đầy rung động để nhận thức về môi trường trong một video âm nhạc. Đối với công việc của cô Heartscape, tập trung vào những rủi ro của việc xếp hàng, nó đã giật mình một cách đáng kinh ngạc. Trong đó hầu hết các trò chơi thông thường là về săn mồi và sự hồi hộp của nó, trò chơi của cô ấy là về tệ nạn của ăn thịt Tôi nên đề cập rằng trong bộ sưu tập tôi đã tìm thấy các mảnh tương tác dễ bị trục trặc. (Có lẽ họ có nghĩa là vậy? Rốt cuộc, trò đùa là trò chơi, trong số những thứ, chất lượng thấp.) Nhưng khi tôi chạy lại chương trình trên máy tính xách tay của mình, mọi thứ hoạt động như một sự quyến rũ. Đến ngày 18 tháng 5 lúc Phố Church; 212-431-5270, apexart.org.

Alexander và Bonin là một trong số ít các phòng trưng bày gần đây đã nhảy Chelsea cho TriBeCa. (Bortolami, Andrew Kreps và Kaufmann Repetto là những người khác; nhiều hơn nữa đang trên đường.) Với việc di chuyển, phòng trưng bày đã đạt được các khu song công thoáng mát, và lấp đầy chúng đầy tham vọng. Trên tầng chính có một buổi trình diễn nhiếp ảnh lớn, hấp dẫn có tên là Triển lãm, mà sử dụng một số tác phẩm ít thấy của một số nghệ sĩ trong nhà để trêu chọc ranh giới giữa phim tài liệu và phi hư cấu sáng tạo. Tầng dưới là phần đầu tiên trong số năm chương trình hai nghệ sĩ được chọn bởi người phụ trách ở Lisbon, Luiza Teixeira de Freitas. Đối với lời đề nghị ban đầu, cô đã ghép các tác phẩm điêu khắc bằng thủy tinh đúc các vật thể hàng ngày của Belén Uriel với một bộ phim dài bảy phút rất hài hước của nghệ sĩ trẻ người Mỹ Gabriel Abrantes về nguồn gốc tưởng tượng của tác phẩm điêu khắc phallic 1916 của Brancusi. Bộ phim Diamantino của Abrantes có chiều dài đặc biệt, một sự hợp tác với Daniel Schmidt, đã thành công tại Cannes năm ngoái.) Đến ngày 27 tháng 4 lúc 47 phố Walker; 212-367-7474, alexanderandbonin.com.

Bạn có được một khu phố cổ ở TriBeCa với triển lãm tại Ming Ming: Beyond Nature, tại Sapar Đương đại. Ông Fay, người sinh ra ở Thượng Hải năm 1943 và đến Hoa Kỳ năm 1961, chuyên về các tác phẩm điêu khắc siêu thực của các hình thức thực vật – trái cây, quả hạch, hạt giống – mô phỏng theo những gì ông tìm thấy ở các khu chợ đường phố ở khu phố Tàu. Những gì anh ta thêm vào là quy mô: tất cả mọi thứ trong vũ trụ thực vật của anh ta đo bằng feet, không phải inch – ớt ngọt cỡ bằng vệ tinh, hạt phong to như máy bay không người lái. Ông cũng phóng đại các hình thức khác: vỏ sò, hộp sọ chim (và thu nhỏ một số trong trường hợp một số hình người bằng đồng không có ngoại lệ). Chương trình được tổ chức bởi Alexandra Chang, trông giống như một cái nhìn thoáng qua vào một xứ sở thần tiên, trong đó ông Fay dường như muốn nói, thiên nhiên thực sự là như vậy. Qua ngày 1 tháng 6 tại số 9 đường Bắc Moore; saparcontceed.com.

Trong cô ấy chương trình solo thứ hai tại Bridget Donahue, Jessi Reaves làm phức tạp loại công việc khiến cô trở nên nổi bật trong Whitney Biennial 2017. Phương tiện của cô là tập hợp; vật liệu của cô là đồ nội thất tái chế; Phương pháp của cô là ghép các đồ nội thất lại với nhau, nguyên vẹn hoặc cắt ra, thành các tác phẩm điêu khắc. Việc tham gia thật tài tình; vẻ ngoài cồng kềnh nhưng nhanh nhẹn. Tuy nhiên, điều đặc biệt nhất của LỚP là tâm trạng phức tạp mà công việc tạo ra. Có những nỗi nhớ được xây dựng vào đồ nội thất trung lưu trong nước mà bà Reaves chọn; bạo lực ngụ ý trong cách cô ấy sử dụng nó trong thực tế; và một cái gì đó giống như sự cô độc trong cách cô ấy mang đến cho những thứ rác rưởi một mục đích mới thú vị. Đến ngày 12 tháng 5 tại 99 Bowery, tầng hai; 646-896-1368, Bridgetdonahue.nyc.

Trong sê-ri ảnh 2001-7 của mình, Things Things Fall Apart, ghi chép ảnh hưởng của thiên tai – bão, động đất, sóng thần – đối với các danh lam thắng cảnh ở châu Á và Hoa Kỳ. Loạt phim tiếp theo, có tiêu đề là Khu vực Albedo và hiện đang được xem tại Phòng trước, đề cập đến một lý thuyết khoa học về biến đổi khí hậu đã gây ra những thảm họa như vậy. Theo lý thuyết, lý thuyết cho biết, bề mặt Trái đất phản xạ, thay vì hấp thụ, ánh sáng mặt trời, với băng là một vật phản xạ bảo vệ và nước, một chất hấp thụ. Hiện tại, sự tan chảy toàn cầu, gây ra bởi sự bất cẩn của con người, đã làm mất đi sự cân bằng một cách nguy hiểm, một thực tế, ông Bezzubov các tài liệu trong những bức ảnh đen trắng về nước và băng được quay ở Alaska. Từ xa, các bức ảnh khổ lớn trông trừu tượng. Một khi bạn biết câu chuyện đằng sau họ, họ sẽ có một sự khẩn cấp rất cụ thể. Qua ngày 5 tháng 5 tại 48 Hester Street; 718-782-2556, phòng trước.com.

Thậm chí nhỏ hơn 56 Henry, mặt tiền cửa hàng này được đóng gói lên trần nhà với một sự tôn kính văn hóa khác, đây là một chương trình nhóm lớn xuất sắc. Nó được tổ chức bởi nghệ sĩ Rachel Mason, có cha mẹ cho đến gần đây điều hành hai hiệu sách người lớn ở Los Angeles. Cả hai đều được gọi là Circus Circus của Sách và cả hai đều phục vụ, kể từ trước những năm 1960 của Stonewall, là trung tâm xã hội không chính thức cho cộng đồng đồng tính địa phương. Chương trình gợi lên cộng đồng với gần 60 nghệ sĩ, hầu hết là đồng tính nam, một số người nổi tiếng (Ron Athey, Kathe Burkhart, Vaginal Davis, Tom of Finland), những người khác (Chivas Clem, Scott Hug, Jimmy Wright) trên và ngoài radar. Các tạp chí khiêu dâm cổ điển tạo thêm sự rung cảm cho cửa hàng tình dục, nhưng đó là nghệ thuật, được cài đặt theo phong cách thẩm mỹ viện, giữ mắt và khởi động các cuộc trò chuyện chung vẫn còn quan trọng trong nghệ thuật và lịch sử xã hội. Qua ngày 6 tháng 5 tại 127 phố Henry; 917-593-4086, fierman.nyc.

Một số triển lãm khác đến thăm trong khi bạn ở khu vực: Alan Sturm (đến ngày 26 tháng 5) tại Phòng trưng bày tình huống, 127 phố Henry, tình huống.us; Azza El Siddique (đến ngày 2 tháng 6) tại Helena Anrather, 28 Elizabeth Street, helenaanrather.com; Ngôi sao đỏ Wendy (28 tháng 4 đến 2 tháng 6) tại Sargent con gái, 179 East Broadway, sargentsdaughters.com; Katarzyna Kozyra (đến ngày 1 tháng 6) tại Phòng trưng bày Postmasters, 54 Đường Franklin, postmastersart.com.

Vòng cung của khung cảnh phòng trưng bày Lower East Side uốn cong về phía giới trẻ. Đây có lẽ là nơi có số lượng lớn nhất đại lý khởi nghiệp cho thấy các tác phẩm của các nghệ sĩ mới nổi ở New York. Điều này mang đến bối cảnh nghệ thuật trong khu phố này và những người phát triển xung quanh nó – ở NoHo, East Village South, Khu phố Tàu hoặc Little Italy – một sự nhẹ nhàng nhất định. Chúng tôi thường nhìn vào đầu tiên, không nhất thiết phải trưởng thành hay cuối cùng, tuyên bố nghệ thuật. Điều này giúp khu vực này không có sự pha trộn lùn của các phòng trưng bày tên tuổi, tự hào về tài sản và các nghệ sĩ blue-chip mang lại cho Chelsea hoặc Upper East Side trọng lượng của họ. Hầu hết các chương trình được xem xét ở đây nhấn mạnh tuổi trẻ dưới nhiều hình thức khác nhau. ROBERTA SMITH

Tác phẩm mới trong chương trình solo thứ ba của Arcmanoro Niles ở New York trong ba năm và tác phẩm thứ hai của anh tại Rachel Uffner đi kèm với tiêu đề tổng thể dễ bị tổn thương là Chuyện trái tim của tôi giống như giấy: Hãy để những cách chết cũ. Các tác phẩm mô tả các thành viên của một gia đình, bao gồm Người nghệ sĩ ở nhà, thường lạc lối trong suy nghĩ, thậm chí buồn bã khi được đề xuất bởi những tựa game như Từ khao khát thay đổi (khỏe mạnh, tôi đã từ bỏ vì hạnh phúc), đó là một ngôi nhà tan vỡ trở thành một gia đình tan vỡ. trong tâm trạng Bảng màu đặc biệt của ông Niles, nâng cao với vẻ rạng rỡ, tối tăm gợi lên một Byzantium hiện đại. Làn da nâu của các nhân vật của anh ta thường gợi lên màu vàng, và mái tóc của họ được kết lại trong những chiếc áo khoác dày đặc màu hồng lấp lánh, gợi lên những quầng sáng. Các bức tranh có một lực hấp dẫn bất ngờ và vĩ đại gần như tôn giáo. Trái tim của tôi giống như giấy. Cho thấy nghệ sĩ một mình trong phòng tắm màu vàng và hồng, mặc áo lót màu cam. Anh ấy là một người đàn ông đã đi đến một bước ngoặt, một sự lựa chọn nhất thời. Tôi không chắc những cảnh sex ma quái được phác thảo bằng màu đỏ, hay những con búp bê nhồi bông giống như con gremlin đang cầm dao, thêm vào, nhưng chúng thêm vào một cái gì đó. Qua ngày 28 tháng 4 tại 170 đường Suffolk; 212-274-0064, racheluffnergallery.com.

Một số chương trình cho thấy rất nhiều về tuổi trẻ như sự trẻ trung, một trạng thái bất đắc dĩ. Đây dường như là điều kiện của buổi trình diễn Sharon Horvath, tại bến tàu, hành trìnhTrường hợp nhìn chằm chằm tại Hội họa Busty Eyeballs. Cho dù tiêu đề có nghĩa là họa sĩ đang trưng bày một số lượng đáng kể các bức tranh mới, thường gợi lên những khung cảnh ngoài vũ trụ, bao gồm cả ở ngoài kia, ở đây, bức tranh lớn nhất của cô cho đến nay, có hình dạng màu xanh lá cây và đen dường như cho thấy bảng điều khiển khổng lồ của buồng lái. Ngoài ra, cô đã vận chuyển gần như toàn bộ studio của mình đến phòng trưng bày, bày ra những thứ mà cô sử dụng để làm hoặc truyền cảm hứng cho nghệ thuật của mình. Đó là rất nhiều tài liệu, phần lớn là từ cha mẹ cô, những người là nghệ sĩ, và chị ơi. Đây là một chương trình tiểu thuyết dày đặc, đặt ra trước mắt chúng ta những cách thức quan trọng và đặc biệt là ký ức gia đình có thể hình thành trong nghệ thuật. Qua ngày 5 tháng 5 tại 155 đường Suffolk; 646-429-9073, pierogi2000.com.

Trong Julia Rommel, chương trình thứ tư tại Cục, Nhà tù Candy Candy, Cô tiếp tục thương hiệu của mình về chủ nghĩa hình thức bị hỏng, khám phá những cách để hồi sinh Trừu tượng tối giản với một quá trình không tối giản, từng phần. Cô Rommel làm việc trên các bức tranh của mình theo từng giai đoạn, vì chúng được gắn vào các cáng lớn hơn bao giờ hết. Điều này mang lại cho họ một cảm giác gần như điện ảnh về sự tăng trưởng và mở rộng. Các bề mặt đơn sắc của các bức tranh nhỏ hơn trước đó thay đổi, trở thành hình vuông hoặc hình chữ nhật trong các tác phẩm lớn hơn – ngoại trừ các cạnh của chúng được nâng lên một cách kỳ lạ. Những nỗ lực mới có nhiều lớp hơn, khiến chúng ít dễ đọc hơn, cũng như sự gia tăng của cọ vẽ tùy ý không liên quan đến quá trình trung tâm. Đôi khi có một tiếng vang về công việc của Richard Diebenkorn mà cô cần phải giải quyết. Nhưng màu sắc của bà Rommel, vẫn đẹp như mọi khi, đặc biệt là trong các tác phẩm đơn giản hơn như Vol Vol 240 240, có hai hình vuông màu cam chia đôi và viền trong mắt màu xanh lá cây. Qua ngày 5 tháng 5 tại 178 đường Norfolk; 212-227-2783, cục-inc.com.

Aria Dean, người tốt nghiệp trường Cao đẳng Oberlin năm 2015, đang có buổi trình diễn thứ hai tại New York. Các tác phẩm của cô ấy dệt không gian phòng trưng bày thành một mạng lưới các ngôn ngữ và quan điểm đôi khi trái ngược nhau, như được đề xuất bởi các mô hình tiêu đề (meta) của chương trình hoặc làm thế nào tôi lấy lại được rãnh của mình. Các mô hình máy tính. Một bộ màn hình ở giữa phòng trưng bày cho thấy một camera nhảy xung quanh một bệ làm bằng kính, hoặc kính hai chiều, quen thuộc với người xem các thủ tục cảnh sát. Bệ này nằm trên vỉa hè New York, cung cấp quan điểm hỗn loạn, phân mảnh của nhà cửa, xe hơi và vỉa hè. Nó là một Không có trang webNghiêng – nhớ lại Robert Smithson Những năm 1970 sử dụng gương trong các công trình đất nhỏ, tạm thời – ngoại trừ đô thị, có nguy cơ bị phá vỡ, một bệ đỡ đang chờ một tác phẩm nghệ thuật. Chúng tôi nghe thấy những gì dường như là ba chàng trai trẻ, được xác định là D.J. (nó thực sự là một diễn viên duy nhất), di chuyển dễ dàng giữa nói chuyện đường phố và một kiểu nói chuyện lý thuyết của Beckettian – quan sát câu đố về một thứ không thể là thứ gì đó nhưng cuối cùng lại là một khoảng trống, một dạng vô hình. (Cuộc đối thoại mượn từ, trong số những người khác, các tác phẩm của Heidegger, Robert Morris và Fred Moten.) Xung quanh màn hình, trên sàn nhà hoặc gắn vào tường, bốn hình dạng mơ hồ được cắt từ kính phản chiếu làm tăng thêm sự mất phương hướng. Chúng là những thông báo trống rỗng nhưng chúng cũng gợi ý những con ma nhảy vọt, phim hoạt hình sáng thứ bảy (Casper) và bóng của xác nạn nhân giết người, được vẽ bằng phấn trên đường phố. Qua ngày 5 tháng 5 tại số 249 East Houston Street; 646-850-7486, chương-ny.com.

Tuổi trẻ trong nghệ thuật không có nghĩa là luôn luôn được thực hiện. Nó cũng có thể là một nghệ sĩ lớn tuổi hơn làm việc sớm mà hầu như chưa ai từng thấy. Vì vậy, với Mira Mira Schor: California tranh, 1971-73, một chương trình vẽ bằng bột màu tuyệt đẹp trên các tác phẩm giấy mà họa sĩ nữ quyền hàng đầu này đã thực hiện khi còn học cao học tại Viện Nghệ thuật California. Cô bắt đầu tham gia chương trình nghệ thuật nữ quyền huyền thoại Judy Chicago và Miriam Schapiro, nhưng đã rời đi để thực hiện những bức tranh mang màu sắc cá nhân phong phú này về sự cô đơn, khao khát và thức tỉnh tình dục mà cô thường xuyên đóng vai chính. Nhiều tác phẩm ở đây có màu phẳng, mờ, không gian sâu thẳm và cây xanh tươi tốt của bức tranh Rajput và cũng kêu gọi những người phụ nữ đơn độc trong tác phẩm của Leonora Carrington và Joan Brown. Trong lịch sử, chúng tạo thành một sự bổ sung bất ngờ cho nhánh ngoài ý tưởng đầu thập niên 1970 được gọi là Story Art, và cũng chỉ ra sự trở lại để vẽ bức tranh đã xuất hiện vào cuối những năm 1970 và một lần nữa lên ngôi. Đến ngày 19 tháng 5 tại 106 đường Forsyth; 646-484-5478, lylesandking.com.

Các tác phẩm điêu khắc và các mảnh tường ở Cameron ClaybornBuổi ra mắt solo của New York có cả tài liệu tham khảo lịch sử và đương đại. Vật liệu ưa thích của ông là nhựa vinyl giống như da và nhựa vinyl lấp lánh được may thành các hình dạng nhồi đầy gợi lên các hình thức mềm mại của điêu khắc hậu tối giản của những năm 1970. Nhưng ông thường bổ sung phần cứng sắc nhọn lấp lánh liên quan đến nghệ thuật Neo-Geo cuối thập niên 80. Ông đẩy sự kết hợp này vào hiện tại với những gợi ý tinh tế và không quá tinh tế về giới tính, sức kéo, chủng tộc và bạo lực. Buổi trình diễn tác phẩm nghệ thuật đầu tiên của chương trình đưa bạn vào tình trạng báo động: Ro Roiercer With Tool, có thể được mô tả như là một phallus của hai tông màu da khác nhau được treo trên một cành nhọn, sáng bóng. Công cụ cầm tay trực tiếp là một tấm vinyl long lanh, màu của thịt trắng, treo trên kẹp thép. Trong mấu chốt của vinyl nằm một khối hình thoi bằng thép dài khoảng bốn inch. Nó cho thấy một người đàn ông trong kéo, chắt lọc để trừu tượng. Không phải tất cả mọi thứ trong chương trình này đều hiệu quả hoặc hứa hẹn như những tác phẩm này, nhưng phần lớn là như vậy. Hãy theo dõi. Đến ngày 12 tháng 5 tại 131 Bowery, tầng hai; 917-409-0612, simonesubal.com.

Thị trường bất động sản cockamamie đã biến Upper East Side tốt đẹp thành khu phố trưng bày kích thích nhất ở New York – và khi trung tâm thành phố chen chúc và Chelsea héo úa trong bóng tối của Hudson Yards, khu phố máu xanh cũ đã phát triển. Ở đây, các đại lý bán vé lớn trong các nhà phố lớn triển lãm cùng với các phòng trưng bày trẻ hơn trong các cuộc đi bộ và tiền đồn của các đại lý quốc tế; vài năm qua đã chào đón Nara Roesler và Mendes Wood của São Paulo, Almine Rech của Paris, Simon Lee của London và Kurimanzutto của thành phố Mexico. Đó không phải là đề cập đến những người buôn bán cổ vật, nghệ thuật châu Á và những cuốn sách quý hiếm.

Trên đường 57, bạn sẽ tìm thấy những thứ để xem trong Tòa nhà Fuller giàu phòng trưng bày, cùng với những người mạnh mẽ như Pace và Marian Goodman (nơi Tino Sehgal, Greta Garbo của nghệ thuật trình diễn triết học, mở một chương trình mới vào ngày 3 tháng 5). Bắt đầu ở đó và làm việc của bạn đường lên đại lộ Madison, nơi các phòng trưng bày (như Gagosian và Lévy Gorvy) tập trung từ giữa những năm 60 đến 79th Street. Nếu bạn chưa có chỗ trống, hãy rẽ trái và đi đến Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan; nếu bạn mệt mỏi, trẻ hóa đang chờ đợi trong các quán bar của khách sạn. JASON FARAGO

Phòng trưng bày không phổ biến này, được thành lập vào năm 1980, liên quan đến cả cổ vật Phật giáo và tiền Columbus và trong nhiếp ảnh đương đại từ Mỹ Latinh, tất cả đều được thể hiện trong một không gian khét tiếng nơi âm nhạc cổ điển leng keng trong nền. Bây giờ là một chương trình của Graciela Iturbide, một trong những nhiếp ảnh gia vĩ đại nhất của Mexico, với những hình ảnh đen trắng về phụ nữ, trẻ em và động vật kết hợp các đặc điểm nhận thức trơn trượt của dân tộc học với độ chính xác quyến rũ của bộ phim. (Công việc của cô ấy cũng được xem tại Bảo tàng Mỹ thuật ở Boston, đến hết ngày 12 tháng 5) Cô Iturbide đã chụp những bức ảnh này ở khắp mọi nơi từ Madagascar đến Đông Los Angeles, nhưng hấp dẫn nhất là những bức ảnh của cô từ Juchitán, Oaxaca – trên tất cả là Đức Mẹ của Iguanas Hồi (1979), trong đó có một phụ nữ người Zapotec Tự tin nhìn vào khoảng cách giữa, đầu cô ấy đội vương miện, giống như Medusa, bởi một bộ sưu tập của các loài bò sát. Qua ngày 18 tháng 5 tại 145 East 57th Street, tầng ba; 212-223-1059, throckmorton-nyc.com.

Dưới đây là một chương trình của một họa sĩ trừu tượng đi trước thời đại của cô ấy, và người lăng nhăng về phong cách có vẻ nghiêm khắc sâu sắc. Moira khô, một nghệ sĩ người Canada đến New York vào những năm 1970, đã thực hiện những tác phẩm thành công nhất của mình bằng cách áp dụng các sọc lượn sóng của màu đen, teal, jonquil và oxblood màu đỏ cho các giá đỡ bằng gỗ; ứng dụng mỏng của bột màu, ở những nơi tràn từ trên xuống dưới trong mánh khóe hoặc lũ lụt, nhấn mạnh tính khách quan của các bức tranh gỗ và nghệ sĩ hành động cân bằng cẩn thận giữa thiết kế và cơ hội. Chương trình này cũng bao gồm một vài gouaches đáng yêu, sống động với màu sắc Địa Trung Hải của Matisse, minh chứng cho sự ăn tạp nghệ thuật của khô cạn và khả năng gây bất ngờ. Cái chết của cô vào năm 1992, ở tuổi 34, đã tước đi lịch sử nghệ thuật về những gì đã là một sự nghiệp tuyệt vời, nhưng ví dụ của cô đã bão hòa các xưởng vẽ của các họa sĩ đương đại New York. Qua ngày 24 tháng 5 tại 23 East 73 Street, tầng hai và tầng baS; 212-445-0444, vandorenwaxter.com.

East Midtown và Upper East Side phình ra với các phòng trưng bày nhiếp ảnh, và không gian một phòng này trên đỉnh của đại lộ Madison là một viên ngọc ẩn. Cho đến bây giờ là một chương trình tuyệt vời về các bản in cổ điển của nhiếp ảnh gia hiện đại người Pháp Claude Tolmer (1911-1991), với những hình ảnh của những năm 1930 bao gồm tầm nhìn dày đặc, có độ tương phản cao của cánh quạt máy bay và vòng xoay vui vẻ; quang ảnh quang phổ của kéo và cốc; và vẫn sống được dựng lên với những bổ sung vẽ tay nguệch ngoạc gợi nhớ đến Cocteau. Chúng rất táo bạo, nhưng nhiều trong số chúng đã được sử dụng thương mại – cha Tolmer điều hành một công ty hàng đầu về đóng gói hàng hóa xa xỉ, và con trai nhiếp ảnh gia của ông đã đưa những hình ảnh này để sử dụng cho quảng cáo và hộp. Thật đáng để nhớ, khi Instagram đưa động lực lợi nhuận vào tất cả các hoạt động giao tiếp nhiếp ảnh, rằng một người tiên phong trước đó đã tìm ra phương pháp riêng của mình để trượt giữa hoạt động nghệ thuật và nhu cầu thương mại. Xuyên qua 11 tháng 5 tại 764 Đại lộ Madison; 212-517-8700, lparkerstephenson.nyc.

Phòng trưng bày Pháp này, tiền đồn, hiện đã được hai tuổi, đang trình diễn bản solo đầu tiên của New York Pierre Buraglio, một kiểm lâm đơn độc của hội họa và lắp ráp châu Âu. Masquages ​​của anh ấy Vides vào cuối những năm 1970, trên thực tế, những bức tranh tinh xảo, mà trên thực tế, đã cắt băng dính mặt nạ sọc màu được sử dụng để làm cho các tác phẩm trước đó thành các tác phẩm mới dự phòng. (Sự trống rỗng tinh túy của họ có vần với các bức tranh về Hỗ trợ / Bề mặt, một cách tiếp cận khái niệm cao về sự trừu tượng đã thấy sự hồi sinh trong vận may gần đây, mặc dù anh ta không bao giờ chính thức tham gia phong trào đó.) Sau đó, anh ta chuyển sang tìm các vật thể, như các mảnh khung cửa sổ và thậm chí toàn bộ cánh cửa của một Citroën 2CV, có cửa sổ anh ta tràn ngập một cảnh quan trừu tượng của màu xanh và màu xanh lá cây. Sau nhiều thập kỷ bị lãng quên ở New York, hội họa Pháp thời hậu chiến có mặt ở khắp mọi nơi trong những ngày này, và có một lý do chính đáng; rất lâu trước khi chúng tôi nhận ra điều đó, các nghệ sĩ như ông Buraglio đã trung bình rằng không có ranh giới cần thiết giữa sự tinh tế của họa sĩ và khái niệm. Đến ngày 27 tháng 4 lúc 956 Đại lộ Madison, tầng hai; 646-678-371, ceyssonbenetiere.com.

Nếu bạn buộc tôi phải kể tên nhà sản xuất triển lãm đầy thách thức nhất trong khu phố, tôi sẽ chọn Jenny Jaskey – giám đốc của phòng trưng bày phi lợi nhuận này, liên kết với Hunter College, người có các thí nghiệm kéo dài cả học kỳ đẩy các nghệ sĩ thành lập ra ngoài vùng thoải mái của họ. Hiện tại Tauba Auerbach, được biết đến nhiều hơn với những bức tranh trừu tượng của cô, đang thử một cái gì đó mới: tác phẩm điêu khắc động học đầu tiên của cô, chạy bằng năng lượng mặt trời, bao gồm các dây xoắn, kéo ra khỏi một ống trung tâm dính xà phòng và tạo ra những viên kim cương lởm chởm. Tác phẩm điêu khắc có tính dễ đọc giống như trò chơi nôi mèo, nhưng hai video khó chịu ở đây, ghi lại ca phẫu thuật cho các cơ quan của con người, đưa tác phẩm điêu khắc vào một miền khó khăn hơn của cơ thể và chất lỏng. Qua ngày 1 tháng 6 tại Hunter College, 132 East 65th Street; 646-512-9608, theartistsinst acad.org.

Một phòng trưng bày khác với sự tập trung mạnh mẽ của người Mỹ Latinh, đại lý này đang giới thiệu một chương trình của nghệ sĩ người Brazil có trụ sở tại Chicago, đó là, hoàn toàn theo nghĩa đen, ra khỏi thế giới này. Ông Kac (phát âm là katz) hợp tác với một phi hành gia người Pháp trên Trạm vũ trụ quốc tế, người mà anh ta hướng dẫn để cắt một công trình đơn giản ra khỏi tờ giấy trắng: một thủ đô M bị xuyên thủng bởi một hình trụ. Trong một video ở đây, cộng với các bản vẽ chuẩn bị và tài liệu nghiên cứu, bạn thấy công trình nhẹ nhàng rơi qua lực hấp dẫn bằng không, và xoay tròn để giống với các chữ cái M-O-I (theo tôi là một cách tự do nhưng đáng nhớ về bản thân bị mất trong không gian. Qua ngày 11 tháng 5 tại 35 đường Đông 67, tầng bốn; 212-517-4609, henriquefaria.com.

Nghệ thuật và phát triển bất động sản gặp nhau ở những nơi khác trong thành phố, nhưng họ đã kết hôn ở Chelsea. Những tòa nhà cao, đắt tiền đang mọc lên xung quanh Đại lộ 10, và giá thuê phòng trưng bày cũng tăng theo. Các đại lý nghệ thuật trẻ đến để thử sức mình trong khu phố trưng bày chính thức, và thường nhanh chóng mở cửa hàng, vì American Medium đầy hứa hẹn, bắt đầu ở Brooklyn, gần đây. Sự tung hứng của các phòng trưng bày phòng trưng bày lớn vẫn tiếp tục, với những người khổng lồ như Hauser & Wirth tổ chức các chương trình lịch sử ấn tượng (và bắt đầu các nhà sách, nhà xuất bản, tạp chí và cơ sở phi lợi nhuận), và David Zwirner đang lên kế hoạch Không gian do Renzo Piano thiết kế để mở cửa vào năm 2020. Trong khi đó, Đường cao thấp hiện ra khắp nơi, giống như một người dân vận chuyển khách du lịch (phần lớn) từ mới Bãi Hudson ở đầu phía bắc đến Bảo tàng Nghệ thuật Mỹ Whitney lấp lánh ở phía nam. Nghệ thuật đương đại có ở khắp mọi nơi, bao gồm cả Đường cao, nơi bạn sẽ tìm thấy một tác phẩm điêu khắc hoành tráng bằng cách Simone Leigh, người vừa mở một chương trình tại Guggenheim, cùng với các màn hình đáng chú ý khác. Nghệ thuật đã bão hòa khu phố, và bạn có thể thấy mọi thứ từ công việc của các nghệ sĩ mới nổi cho đến những người đã mất từ ​​lâu. Dưới đây là một vài nơi để bắt đầu. HỌC VIÊN MARTHA

Những gì bạn đang xem Triển lãm Paul Anthony Smith tại Jack Shainman là những bức ảnh khổ lớn được thay đổi một cách tỉ mỉ mà anh ấy làm trong studio Brooklyn của anh ấy và anh ấy gọi là picotages của Nhật Bản. Các bức ảnh màu được chụp ở quê hương Jamaica của anh ấy, nhưng cũng có những địa điểm khác, kể cả tại cuộc diễu hành Ngày Tây Ấn của người Mỹ ở Brooklyn. Chúng đã được phủ bằng các chấm nhọn của sơn hoặc bút chì màu. Ông Smith đã nghiên cứu gốm sứ tại Thành phố Kansas, Mo., và bạn cảm nhận được ý tưởng về công việc của mình, về hình ảnh và những thứ được che đậy – mặc dù điều này cũng ẩn dụ, và gợi ý về các sự kiện, con người và lịch sử. Một khuôn mặt, một khu vườn, hoặc một cảnh đô thị đạt đỉnh qua các chấm trong picotage, giống như nhưng không bao giờ tiết lộ đầy đủ về bản thân. Qua ngày 11 tháng 5 tại 513 West 20th Street và 524 West 24th Street; jackshainman.com.

Các tác phẩm của Raqib Shaw, có không phải lúc nào cũng nổi tiếng với các nhà phê bìnhvà những bức tranh hiện tại của anh ấy tại Phòng trưng bày Pace thể hiện một số sự lòe loẹt và dư thừa đã làm tăng thêm sự thịnh vượng của những người gác cổng nghệ thuật cao. Nhìn từ xa, những bức tranh tráng men có độ bóng cao, trông giống như phong cảnh Thomas Kinkade pha trộn với các kịch bản của Hieronymousus Bosch: những phong cảnh đẹp, anodyne được vẽ bằng những địa ngục siêu nhỏ trong đó những con quỷ thần thoại được nuôi dưỡng từ những truyền thống trong trận chiến Kashmir bản địa của ông Shaw . Các tác phẩm hay nhất trong chương trình là tự nhận thức rõ nhất, trong đó ông Shaw mô tả bản thân đang chăm sóc tác phẩm nghệ thuật, vật nuôi hoặc thực vật của mình một cách hoàn toàn tập trung và tự hấp thụ – một maestro bị nhấn chìm trong dòng chảy của vụng trộm trong khi bạo lực ghê tởm thế giới thực nổ ra bên ngoài cửa sổ nối liền của anh. Qua 18 tháng 5 tại 537 Tây đường 24; 212-421-3292, pacegallery.com.

Một trong những điểm nổi bật của quốc tế Tài liệu Triển lãm năm 2017 là Vivian Suter, trưng bày những bức tranh sơn dầu lỏng lẻo, có khung, bay phấp phới như quần áo thanh lịch ngoài trời ở Athens và làm sáng lên một cửa hàng kính ở Kassel, Đức. Làm việc hơn 30 năm gần hồ núi lửa Atitlán ở Panajachel, Guatemala, Cô Suter là một người từ bỏ thế giới nghệ thuật, người không bao giờ bỏ nghệ thuật. CúcVườn Vivian, Xông hơi Rosalind Nashashibi Phim về cô Suter và mẹ cô, Elizabeth Wild, cũng là một nghệ sĩ, đã bắt được cuộc sống tập trung vào nghệ thuật của họ ở Guatemala. Nhưng bà Suter đã xuất hiện trở lại trong vài năm qua, mang lại cảm giác khu vườn ma thuật đó cho các không gian nghệ thuật truyền thống. Cô ấy đã biến đổi Không gian Gladstone ở Chelsea thành một loại Eden thanh tao, trong đó các bức tranh treo trên trần nhà, nằm trên sàn và thường hoạt động cùng nhau, như cành cây hoặc cánh hoa trên một bông hoa, để tạo ra một hệ sinh thái vẽ tranh thay vì trải nghiệm đối tượng rời rạc. (Cô Suter cũng có một bản cài đặt trên Đường cao mùa này.) Qua ngày 8 tháng 6 tại 530 West 21 Street; 212-206-7606, joystonegallery.com.

Mặc dù bạn không phải lúc nào cũng chắc chắn những gì bạn đang nhìn, nhưngANOHNI: Yêu thương tại nhà bếp trông và cảm thấy như một nghệ thuật sắp đặt. Nó cũng sâu sắc về chính trị. Gần lối vào là một giấy chứng tử mở rộng cho Marsha P. Johnson, một nhà hoạt động về giới sau đó Anohni mặt trận nhóm âm nhạc Antony and the Johnsons được đặt tên, và cái chết của người chết đuối ở Hudson được coi là tự sát (nhưng nhiều người nghĩ là giết người). Gần đó là một kệ sách với thư viện của Julia Yasuda, cựu thành viên của Johnsons, cũng là một đài tưởng niệm và một khuôn mẫu cho triết lý và triết lý của nhóm. Những tác phẩm điêu khắc thô sơ, ảnh ghép, một bộ phim và không gian thắp sáng sân khấu tạo ra bầu không khí ủ rũ. Đó là một cách tiếp cận thích hợp cho một nghệ sĩ mà hiệu suất là một dự án cuộc sống và giới tính là một phương tiện. Qua ngày 11 tháng 5 tại 512 West 19 Street; 212-255-5793, thek Kitchen.org.

Martin Kersels đặc trưng phân chia sự khác biệt giữa hiệu suất và các đối tượng trong triển lãm của mình tại Nhà trọ & Nash. Các bìa album cắt ghép và cắt dán được treo như những tác phẩm điêu khắc trên tường, và vào ngày 4 tháng 5 lúc 2:30 chiều. anh sẽ thể hiện lại một buổi biểu diễn của In In A-Gadda-Da-Vida trộm (1968), bài hát nhạc pop dài 17 phút của Iron Butterfly trên một sân khấu bị lừa trong phòng trưng bày. Phần hài, phần tỏ lòng tôn kính, tác phẩm của ông Kersels, là một lời nhắc nhở rằng, mặc dù chú trọng vào nghệ thuật là kinh doanh, vẫn có chỗ cho Chelsea cho sự ngớ ngẩn. Qua 18 tháng 5 tại 534 West 26th Street; 212-744-7400, miandn.com.

Các công trình trong Triển lãm Walid Raad, tại Paula Cooper theo một định dạng mà ông đã đổi mới vào những năm 1980 và thập niên 90: Những bức ảnh thực tế của Vương quốc Anh kết hợp với các văn bản có thể hoặc không phải là hư cấu. Áp dụng vào lịch sử gần đây ở Trung Đông – và đặc biệt là Lebanon bản địa của anh ta và quốc gia đó trong cuộc nội chiến kéo dài – những bức ảnh ở đây về các cửa hàng và người dân kèm theo các văn bản giải thích về vụng trộm cho thấy cách thức hư cấu thường trở thành sự thật hoặc lịch sử chính thức. Trung tâm là một video mới được tạo thành từ các vòng phim được nhân đôi bằng kính vạn hoa cho thấy các tòa nhà ở Quận trung tâm Beirut bị phá hủy để tạo ra một thành phố mới sau chiến tranh và về mặt lý thuyết tốt hơn. Chuyển động tiến và lùi của psychedelic của các vòng lặp đơn giản nhưng hiệu quả đặt câu hỏi về sự tiến bộ tuyến tính của thời gian và tiến trình. Qua ngày 24 tháng 5 tại 521 phố Tây 21; 212-255-1105, paulacoopergallery.com.

Sơn dầu có thể là điêu khắc, đặc biệt là nếu bạn sử dụng nhiều như Paul Fagerkiold trên trên Flat Flatland. Họa sĩ trẻ người Thụy Điển đặt rất nhiều sơn màu tím đen trên tấm vải khổng lồ này trên bề mặt hoàn thiện của hình, một hình chữ nhật đơn sắc với một cạnh dưới cúi, có định nghĩa của búa đồng. Mỗi nét cọ kỳ quặc là một xoáy, và toàn bộ là một khung cảnh của đại dương – nhưng nó là một cái không ngừng nghỉ đã giành được sự khác biệt của hầu hết các hình ảnh hai chiều. Không phải là không có gì ông Fagerkiold đặt tên cho bức tranh, và chương trình nó xuất hiện trong, sau cuốn tiểu thuyết hình học khoa học viễn tưởng thế kỷ 19 của Edward Abbot. Qua ngày 11 tháng 5 tại 176 Grand Street; 212-244-6055, peterblumgallery.com.

Chân dung tương tự Austin Lee xông của không gian ảo là hấp dẫn kỳ lạ. After drawing floppy cartoon hearts, stumpy, grinning figures and prancing ponies on an iPad, the painter then renders the images by hand, at a much larger scale, with brush and airbrush. Maybe it’s the adeptly balanced hot pinks and neon reds, or the promise that a virtual world might someday seem as joyful and genuine as the real. Or maybe it’s just the marrying of such disparate mediums, the quiet shock of confronting computer effects in physical form, which makes it so difficult to look away. Through May 18 at 18 Wooster Street; 212-343-7300, deitch.com.

We all know something’s askew — and the artists in “Scenes of the American Landscape,” which I was able to sneak into before it officially opened on Thursday, know it, too. Video installations by Collin Leitch and Theodore Darst channel the restless sense of imbalance in contemporary American life into a twitchy, unrelenting shifting of styles that feels very much like a new kind of rhythm. Andrew Jilka’s oil and enamel painting of sailor tattoos and cartoon Picassos puts the same effect into freeze frame. Color photographs by Lili Jamail, of an empty armchair, and Jheyda McGarrell, of a half-dressed woman seen through her window, are a deliberate tilt both jaunty and alarming. And an untitled painting by Alissa McKendrick, in which fiddly figures unspool against an intensely worked red background, is suffused with vertigo. Through June 1 at 83 Grand Street; 212-279-9219, teamgal.com.

The Swiss artists Silvia Bächli and Eric Hattan undertake a sublime exegesis of that simplest of artistic gestures: the line. A line is an emblem of sustained effort, but also a paradox. Whether as the confident green and brown stripes of Ms. Bächli’s elegant gouaches or the wonky metal poles that Mr. Hattan stands upright and sets in concrete, the line only gets richer in isolation. Mr. Hattan’s “Schnurvideo (String Video)” is a 20-minute close-up on the artist’s hands as he untangles a clump of string and winds it up again into a grapefruit-size ball. Notice how tightly he holds it, and how, when the string slips off, he simply presses an errant loop against the ball and keeps winding. Through May 25 at 140 Grand Street; 212-966-5154, peterfreemaninc.com.

Bruce Pearson makes text paintings, technically. But by overlapping text and imagery in complicated patterns, cutting those patterns into foam, and painting every resulting divot a different color, he arrives at arresting compositions that evoke tropical camouflage or the inside of a psychedelic pomegranate — even when, as sometimes happens, the original text remains legible. This should be the case with “Shadow Language,” opening this weekend at Ronald Feldman Gallery. One star is likely to be “Not to Interrupt Your Beautiful Moment,” an orange-themed pixelation of an entrancingly ambiguous phrase. April 27-June 8 at 31 Mercer Street; 212-226-3232, feldmangallery.com.

It would take half the gallerists in America to make the vast expanses of Harlem into an arts district as pedestrian-friendly as SoHo, so take it in pieces. Galleries worth visiting on the east side include 1) David Richard Gallery, lately of Santa Fe, which is currently showing the brightly colored steel of the Canadian sculptor Robert Murray (through May 4); the nonprofit 2) WhiteBox next door, just relocated from SoHo, and inaugurating its new home with the thought-provoking group show “Waiting for the Garden of Eden” (through May 5); và 3) Hunter East Harlem Gallery, whose “do it (in school)” plumbs the overlap of conceptual art and arts education (through June 1).

On the west side, the former Chelsea gallerist 4) Janice Guy’s latest show at a project space called MBnB is a terrific run of photographs by Judy Linn (through May 5). Finely observed but never precious, they’re a thrilling demonstration of artistic self-reflection undertaken for its own sake — particularly a sequence that starts with an image of a photo of James Joyce taped to a foggy window and ends with the back of James Caan’s neck on a Trinitron TV. Opening this weekend at 5) Gavin Brown’s palatial establishment on West 127th Street is a show of balletic nudes in green fields and huge new landscapes roiling with stormy energy by the 92-year-old master of slick painterly flatness, Alex Katz (through Aug. 3). Và tại 6) Columbia University’s Leroy Neiman Gallery, on Harlem’s southern edge, is a multimedia solo show by South African artist Mary Sibande (through May 1). WILL HEINRICH

Like so much else in Brooklyn these days, the art scene there seems to be in flux. Galleries that were familiar presences have closed; others have changed names and moved to Manhattan. Neighborhoods that previously served as linchpins now have fewer dedicated art spaces; rents are high, and other parts of the city promise greater foot traffic.

Yet in a way, transition has always been central to a geographically scattered scene that’s uneven in its offerings and anchored by a handful of larger nonprofits alongside a rotating cast of small spaces run as labors of love. Even commercial operations seem to work differently here: Jenkins Johnson Gallery’s tiền đồn aims to build a relationship with the surrounding community (and its coming show “Free to Be,” featuring Rico Gatson and Baseera Khan, should be worth a visit). Part of the thrill of seeing art in Brooklyn is that you don’t quite know what you’re going to get.

This list is just a sample of what Brooklyn has to offer. It will take you from Bushwick down to Park Slope and focuses on exhibitions that are, quite loosely, about identity. These artists are exploring how cultural, national, social and other factors shape us, even as they take very different approaches. It’s a fitting theme for a borough that, despite becoming a brand, is still a haven for those looking to make a creative life in New York City. JILLIAN STEINHAUER

Industrial art spaces aren’t as au courant as they used to be, but Brooklyn and Queens still have their fair share. The Chimney rightly embraces the roughness of its home by commissioning artists to create work for its brick walls and concrete floor. Sara Mejia Kriendler has even extended her chương trình solo onto the ceiling, covering it with mounds of gold-tinted foil. Down below, broken terra-cotta hands are piled in a huge circle on the ground, like the remnants of an ancient society or mysterious ritual. Inspired by her Colombian roots, Ms. Kriendler uses simplicity and scale to turn the gallery into a space that feels simultaneously sacred and profane. Through May 5 at 200 Morgan Avenue, Bushwick; thechimneynyc.com.

The seven galleries in this building have had consistently strong programs. Tiger Strikes Asteroid is one of the smaller spaces but regularly swings for the fences, focusing on solo presentations for underrepresented artists and group exhibitions with unusual themes, like the current “baseball show.” Organized by Andrew Prayzner, the show brings together an array of astute work, including Elias Necol Melad’s clever paintings of baseball cards without their figures (and thus their value) and Christopher Gideon’s incriminating scans that show dipping tobacco tins in players’ pockets. The nine artists treat the sport not simply as a beloved pastime but as a cultural phenomenon worth examining. Through May 5 at 1329 Willoughby Avenue, No. 2A, Bushwick; 347-746-8041, tigerstrikesasteroid.com.

The nonprofit Recess does something different than most other art spaces: It gives artists the gallery and roughly two months to realize their projects on-site. So the work happens before the public’s eyes, and it’s best to visit multiple times to follow the progress. Right now, Lex Brown is building a studio for the production of an experimental TV show that will disregard the typical conventions of the medium — scenes and story lines will be improvised, multiple people will play a single character — to focus on human interaction. Hanging in the front room are disquieting hình ảnh bởi American Artist of books from the Blue Lives Matter movement — an extension of their recent, powerful show at Brooklyn gallery Koenig & Clinton. Through June 8 and May 11 at 46 Washington Avenue, Clinton Hill; 646-863-3765, recessart.org.

Located in a renovated carriage house near the Prospect Expressway, Open Source is something of an outlier in a neighborhood without many art galleries. That hasn’t stopped it from mounting ambitious exhibitions. Ronny Quevedo’s current solo show continues his investigation of games and their relationship to the migration of people. On the floor, he’s placed gold and silver tiles that turn the space into a kind of board. Some of them hold concrete sculptures of misshapen sports balls, while prints on the walls turn the shapes associated with various games into evocative abstractions. With the whole gallery as a “Field of play,” as the exhibition is titled, it falls to the viewer to invent the rules for navigating it. Through May 11 at 306 17th Street, Park Slope; open-source-gallery.org.

Once upon a time, 56 Bogart was các place to see art in Bushwick; today it’s no longer the neighborhood’s artistic nerve center. The galleries that remain are a mix of newcomers and longtime holdouts, of which Theodore:Art, at almost a decade old, is one. Peter Krashes’s current exhibition is a poignant reflection of the changes being felt throughout Brooklyn. The artist is a longtime community organizer, and in his gouache-on-paper paintings he captures street festivals, encounters with the New York Police Department and celebrity sightings near Barclays Center. Krashes paints with smooth, confident strokes but leaves blank specks throughout, suggesting the gaps of memory that make even the best representations of reality imperfect. Through May 18 at 56 Bogart Street, Bushwick; 212-966-4322, theodoreart.com.

This storied nonprofit is best known for presenting conceptual shows that contain an ambitious site-specific element. The current trung tâm is the Japanese artist collective Chim↑Pom’s affecting, tunnel-like installation made of paper cranes that people from around the world have sent to Hiroshima as a gesture of peace. The city keeps the cranes — millions of them — in a special warehouse, where the collective also filmed a new video. On view concurrently is a “non-visitor center” for “Don’t Follow the Wind,” an exhibition created inside the radioactive Fukushima exclusion zone by Chim↑Pom, other artists and the curator Jason Waite (who organized both shows at Art in General). Visitors can glimpse the restricted area via a 360-degree video and contemplate the sobering past and present of our nuclear reality. Through July 13 at 145 Plymouth Street, Dumbo; artingeneral.org.

People can find visiting galleries intimidating, mysterious or irksome, but it needn’t be, even for beginners. There’s no time like our annual Spring Gallery Guide to discuss the basics (and pleasures) of this time-honored activity. My fellow critics and I have fanned out across the city to take the pulse of the scene, but before you get to our recommendations, let me offer some advice:

Galleries don’t charge admission. New York City has the largest concentration of art galleries anywhere; there’s a great deal of information and many experiences to be had, free of charge. These are welcoming places that don’t exist only to sell art. They’re also a public service, a way for artists and art students to see what other artists are up to, but also for the rest of us as well.

Be engaged. Wave or smile to the people at the front desk when you enter (and maybe say “Thank you” when you leave). Join the ritual of signing the sign-in book. (Most galleries have them.) It lets artists know you’ve been there and provides a little private moment before plunging in. You’ll also see news releases by the sign-in book. They give you the title of the show (if there is one), some whiff of the artist’s intention and a short biography. There’s a good chance there will also be checklists, almost always with photographs of the works. This provides the title, date, materials and dimensions of every artwork on view. It’s your map.

Take the process seriously. Give every show a chance. Art is never trying to pull the wool over your eyes. Walk around the sculptures; study the paintings — and their surfaces — from various distances. Examine the checklist, and think about how the art objects were made and of what. Can you identify the materials used on first sight?

Listen to yourself. Realize that you are having reactions and forming opinions even if you can’t quite articulate them. Tally up what you like or don’t like about a certain piece. Strike up a conversation with someone who seems to be looking as hard as you. Compare notes. Got questions? Ask them of whoever behind the desk looks the least busy. Keep in mind that many people in these positions at galleries are young artists or writers and usually quite smart. You never know when you’re talking to the next Huma Bhabha. ROBERTA SMITH

Top image grid, from top left: ChimPom and Art in General; Dario Lasagni; Dawn Mellor and TEAM Gallery; via Alexander and Bonin, New York; Joerg Lohse; American Artist; ANOHNI and The Kitchen; Arcmanoro Niles and Rachel Uffner Gallery; Aria Dean and Chapter NY; Dario Lasagni; Bruce Pearson and Ronald Feldman Gallery, New York; Austin Lee; Cameron Clayborn and Simone Subal Gallery; Dario Lasagni; Mark Mulroney and Mrs. Gallery; Vivian Suter and Gladstone Gallery, New York and Brussels; David Regen; Claude Tolmer and L. Parker Stephenson Photographs; via apexart; Eduardo Kac and Henrique Faria, New York; Jessi Reaves and Bridget Donahue NYC; Greg Carideo; Sasha Bezzubov and Front Room Gallery; Sharon Horvath and Pierogi; Julia Rommel and Bureau, New York; Dario Lasagni; Mira Schor and Lyles & King; Walid Raad and Paula Cooper Gallery, New York; Peter Krashes and Theodore:Art, Brooklyn; Martin Kersels and Mitchell-Innes & Nash, New York; Silvia Bächli and Peter Freeman, Inc.; Moira Dryer and Van Doren Waxter, New York; Stefan Hagen; Ming Fay and Sapar Contemporary; via 56 Henry; Object Studies; Raqib Shaw, via Pace Gallery; Pierre Buraglio and Ceysson & Bénétière; Graciela Iturbide; Lili Jamail and TEAM; via Artist’s Institute at Hunter College; Paul Fagerskiold and Peter Blum Gallery, New York; Etienne Frossard; Paul Anthony Smith and Jack Shainman Gallery, New York; Sara Mejia Kriendler and The Chimney; Reggie Shiobara.



Nguồn The NewYork Times