32 C
Ho Chi Minh City
Thứ Sáu, Tháng Tám 12, 2022

Nhạc Mỹ là gì? Ba Album Cổ điển Đưa ra Câu trả lời.

Chính xác thì âm nhạc cổ điển Mỹ là gì? Khi tạo ra câu trả lời của họ, từ trước đến nay, các lập trình viên đã chọn một trong hai cách tiếp cận: thận trọng, nỗ lực từng phần hoặc kết hợp tất cả trong một đầy rủi ro.

Chiến lược chắp vá có thể thừa nhận rằng các bài hát của các nhà soạn nhạc jazz như Duke Ellington cần phải có trong bản phối, nhưng là một buổi hòa nhạc hoặc album riêng biệt, thay vì với các tác phẩm được ghi chú đầy đủ và được chơi thường xuyên của Gershwin hoặc Bernstein. Phương pháp hợp nhất ít được nghe thấy hơn. Nhưng nó đã tồn tại. Năm 1976, nghệ sĩ dương cầm người Mỹ Frederic Rzewski đã mang đến cho người nghe một bản mélange sáng tạo của hai bản nhạc piano có ký hiệu khác nhau của nghệ sĩ saxophone và nghệ sĩ ngẫu hứng. Anthony Braxton – cộng với một bản sonata của nhà soạn nhạc người Đức gốc Đức Hanns Eisler và bản “Không có nơi nào để đi nhưng xung quanh” – trong một buổi biểu diễn chóng mặt.

Khái niệm này, từng là thử nghiệm, bây giờ là một khái niệm mà xu hướng cổ điển đôi khi tiếp cận, như trong một album gần đây của nghệ sĩ vĩ cầm Daniel Hope, “America”. Các nhà thực nghiệm cũng vẫn làm công việc tổng hợp – như trên bản phát hành mới của bộ tứ nhạc PUBLIQuartet, “Người Mỹ là gì”. Lộ trình thứ ba – sử dụng âm nhạc hoàn toàn mới – được thể hiện trong một bản thu âm khác, ba đĩa của nghệ sĩ vĩ cầm Johnny Gandelsman, sắc màu rực rỡ “This Is America”, ra mắt ngày 1 tháng Bảy.

Album của Hope là bằng chứng cho thấy cách tiếp cận hợp nhất không nhất thiết phải là một cách dễ dàng. Trong bản thu âm của anh ấy, được phát hành vào đầu năm nay trên nhãn Deutsche Grammophon, anh ấy đã thử chơi “A Change Is Gonna Come” của Sam Cooke cũng như “Come Sunday,” từ “Black, Brown and Beige” của Ellington. (Các tiết mục chính của Mỹ có khung hình hẹp hơn, chẳng hạn như các tác phẩm của Bernstein và Copland, cũng có trong chương trình.)

Trong Cooke, giai điệu của Hope đủ dễ chịu – nếu một cú chạm quá nhợt nhạt để phù hợp với sự linh hồn trong giọng hát của Joy Denalane. Nhưng đoạn trích của Ellington là một cơ hội bị bỏ lỡ, với một mở đầu được đẩy nhanh quá mức.

Đánh giá kết quả đọc này so với một bản ghi âm của Ellington từ năm 1958, trong đó nghệ sĩ violin Ray Nance say sưa với cùng một chất liệu du dương trong 10 giây nữa, sau khi anh ta nhập môn. Có một lý do khiến bạn không tua nhanh qua các cụm từ; những giây thừa có thể có nghĩa là tất cả mọi thứ.

Trong album của Hope, những màn trình diễn hay nhất đến sớm, khi anh ấy thể hiện một loạt các giai điệu của Gershwin. Tại đây, anh mời một bộ ba do nghệ sĩ dương cầm Marcus Roberts dẫn đầu để giúp ứng tác và sử dụng thành ngữ người Mỹ đung đưa. Sự tham gia của họ đã truyền cảm hứng cho một số vở kịch tinh thần từ Hope, người có giai điệu nhảy vui nhộn trong “Nhịp điệu cuốn hút”. (Anh ấy cũng chơi những đoạn dừng đôi bluesy theo nhịp điệu của tay trống Jason Marsalis vào cuối “Summertime”.)

Tuy nhiên, sự hợp tác giữa Hope, Dàn nhạc thính phòng Zurich và Bộ ba Roberts vẫn lịch sự một cách lịch sự, với phần sau được kết hợp một cách đáng chú ý. Nó khác xa với năng lượng của buổi biểu diễn Berlin Philharmonic năm 2003 do Seiji Ozawa chỉ huy, phát trực tuyến trên Phòng hòa nhạc kỹ thuật số của nhóm đótrong đó Bộ ba Roberts đã tham gia để đọc bản Concerto in F. đầy táo bạo của Gerswhin.

“Mỹ” dường như nhận thức được rằng đây có thể là một vấn đề. Trên trang bìa, người ta thấy Hope mặc vest và tuxedo, đứng dựa vào một chiếc xe hơi cổ điển đậu trước một tòa nhà có cửa sổ được trang trí bằng chân dung của các nghệ sĩ âm nhạc Mỹ. Nhưng các nghệ sĩ đã chụp ảnh vào những khung cửa sổ đó không theo dõi được âm thanh của album. Không có một đoạn nào có chất lượng bùng nổ của nghệ sĩ kèn saxophone và nghệ sĩ kèn bass Eric Dolphy nhảy lò cò xuất thần giữa các thanh ghi và nhịp. Vậy anh ấy đang làm gì trong nghệ thuật album?

Ngoài âm nhạc của riêng mình, Dolphy xuất hiện với tư cách là nghệ sĩ độc tấu chủ chốt trong các bài tiểu luận âm nhạc thời Dân quyền của tay bass và nhà soạn nhạc Charles Mingus, đặc biệt là trong “Truyện ngụ ngôn Faubus gốc”“Suy niệm về Hội nhập.” Tuy nhiên, bài thơ phản đối của Dolphy, và của John Coltrane – một nghệ sĩ khác được xuất hiện trên trang bìa của “America” ​​- không xuất hiện ở đây ngoài tiêu đề của bài hát pop đầy hứa hẹn thay đổi của Cooke.

Do đó, album của Hope về mặt âm nhạc không phải đối mặt với tình trạng hỗn loạn của liên minh trực diện, hay thừa nhận những cuộc cách mạng trong quá khứ trong truyền thống nhạc jazz liên tục phát triển của đất nước này. Thứ âm nhạc rực lửa mà Coltrane và Dolphy chơi vào năm 1961 đã bị phê bình vào thời điểm đó là “phản nhạc jazz” trong một số quý – một bản nhạc vẫn chưa già đi. Nhưng trong khi Hope có vẻ háo hức trích dẫn ngọn lửa của sự khéo léo của người Mỹ trên bìa album, anh ấy không muốn bị nó hát trong thực tế.

Điều ngược lại đúng với các đoạn dài của Gandelsman “Đây là nước Mỹ” dự án, một tập hợp đầy tham vọng cố gắng nâng cao nhiệt độ quốc gia bằng cách mời các tác phẩm solo mới từ một nhóm gồm vài chục nhà soạn nhạc. Trong ghi chú lót của mình cho album, nghệ sĩ vĩ cầm trích dẫn một loạt các vấn đề như là nguồn cảm hứng cho sự thôi thúc của anh ta để thực hiện những tác phẩm này: đại dịch; bạo lực của cảnh sát và cái chết của Ahmaud Arbery, George Floyd và Breonna Taylor; hơn bốn triệu mẫu rừng của California bị mất vì cháy rừng vào năm 2020; nạn thất nghiệp; “Ngụy biện chu kỳ bầu cử luẩn quẩn.”

Nhiều nhà soạn nhạc đã đáp lại lời nhắc nhở của Gandelsman với cảm giác sợ hãi và buồn bã tương tự. Đủ công bằng. Nhưng với tư cách là một trải nghiệm nghe, chương trình kéo dài gần 4 giờ có thể sử dụng nhiều tác phẩm hơn như “Sahra be Wyckoff” của nhạc sĩ kèn clarineti và nhà soạn nhạc Kinan Azmeh gốc Syria. Được viết vào một thời điểm mà bạn bè và những người cộng tác nghệ thuật rất khó để tập hợp lại, nó gợi lại một quá khứ vui vẻ hơn về những buổi giao lưu ở Brooklyn. Màn trình diễn say đắm lòng người của Gandelsman đã đưa tôi trở lại với album ấn tượng năm 2021 của Azmeh “Flow”, được thu âm với NDR Bigband, đến từ Đức. Tập hợp đó là một ví dụ khác về khả năng thay đổi năng lượng của các nguồn năng lượng Mỹ – với sự kết hợp của Ellingtonian kết hợp với các chế độ du dương từ Trung Đông.

Mặt khác, các tác phẩm mà Gandelsman nhận được có xu hướng hướng đến tâm trạng và chủ đề u ám hơn – bao gồm một đài tưởng niệm một người bạn đã chết và nhiều suy ngẫm về xung đột công dân. Và một số tác phẩm phản ánh mối bận tâm lâu đời của các nhà soạn nhạc. Vì vậy, khi Tyshawn Sorey đưa ra “Dành cho Courtney Bryan” đầy chiêm nghiệm (và đôi khi hung dữ), bản thu nhỏ có thể đóng vai trò là một bổ sung nhỏ nhưng quan trọng cho danh mục mở rộng nhanh chóng của nhà soạn nhạc về lăng kính tưởng nhớ các nghệ sĩ âm nhạc cùng thời của ông. Nhưng “For Courtney Bryan” chỉ tương tác một chút với hy vọng đã nêu của Gandelsman rằng các khoản hoa hồng “phản ánh một cách nào đó về thời gian mà tất cả chúng ta đã sống qua”. (Đối với những suy nghĩ cụ thể hơn của Sorey về thời điểm của chúng ta, bạn có thể chuyển sang cảm giác mệt mỏi của anh ấy “Cứu các cậu bé,” từ năm ngoái.)

Tuy nhiên, tất cả đều được chơi một cách chính xác; Gandelsman hòa hợp với bản chất chính xác của từng nghệ sĩ và điều chỉnh âm thanh của mình cho phù hợp với từng nghệ sĩ. Đĩa thứ hai mang đến sự tương phản về bố cục và nỗ lực diễn giải gấp rút. Ở đó, bạn sẽ tìm thấy lời ca ngợi mộng mơ của Angélica Negrón về việc ngắm sao thời thơ ấu (“A Través del Manto Luminoso”), nơi đường ống của Gandelsman, âm thanh trực tiếp kết hợp lý tưởng với bản nhạc đệm điện tử.

“Những bức ảnh phản chiếu” u ám nhưng bí ẩn của Ebun Oguntola thúc đẩy Gandelsman hướng tới sự tương phản của áp lực cánh cung, gợi ý cho tâm trí của một cá nhân không thể đoán trước được. Trong bài hát “Rhapsody” điêu luyện của Tomeka Reid, những chuyển động của anh ấy tự nhiên trôi chảy hơn – và ấn tượng một cách lặng lẽ. Và Gandelsman mang đến chất lượng liên kết quyến rũ, tự do cho màn trình diễn của anh ấy trong bộ phim dài tập “Barbary Coast 1955” của Terry Riley.

Phát minh kính vạn hoa trong các khóa học về công trình đó trong suốt PUBLIQuartet’s “Người Mỹ là gì, ”Album cổ điển yêu thích của tôi trong năm cho đến nay. Nó chứa đựng những sắp xếp chiến thắng của Dvorak, cũng như của “Cà phê đen” của Tina Turner và Ornette Coleman giai điệu “Law Years” và “Street Woman”. Có một màn trình diễn gật gù của tứ tấu đàn dây của Vijay Iyer “Đào lời nói” (bản thân lấy cảm hứng từ James Brown).

Và có một tứ tấu đàn dây mới được ủy quyền, “CARDS 11.11.20,” từ Roscoe Mitchell – nhà soạn nhạc – nghệ sĩ saxophone nổi tiếng vào những năm 1960, cùng với Braxton và các thành viên khác của Hiệp hội vì sự tiến bộ của các nhạc sĩ sáng tạo. Giống các tác phẩm khác trong sê-ri “Cards” của Mitchell, nỗ lực thông qua sáng tác này mời gọi sự ngẫu hứng (với các nhạc sĩ được phép xáo trộn các đoạn rời của bản nhạc, tại một điểm trong buổi biểu diễn); Các cầu thủ PUBLIQuartet nghe như ở nhà trong thử thách đặc biệt của Mỹ này.

Ăn nhẹ giữa những tác phẩm đó và các tác phẩm khác là phần đọc lại đứt quãng của bộ tứ về câu thứ năm khó hiểu của Oliver Wendell Holmes Sr. cho “The Star-Spangled Banner”. Giữa cuộc Nội chiến, nhà thơ này – và là cha của Thẩm phán Tòa án Tối cao Oliver Wendell Holmes Jr. – đã lên tiếng ca ngợi “kẻ phản bội dám làm ô uế / Lá cờ của những vì sao và trang truyện của cô ấy!” (Hãy nghĩ về điều đó trong bối cảnh kẻ bạo loạn ngày 6 tháng 1 mang cờ Liên minh bên trong tòa nhà Quốc hội Hoa Kỳ, và kẻ gần đây đã bị kết án về một trọng tội và bốn tội nhẹ.)

Không bao giờ phóng đại quá mức, “What Is American” chứa đựng niềm vui, chủ nghĩa chiết trung và sự gắn bó của công dân trong thời lượng của một đĩa CD. Khả năng đan xen nhiều truyền thống của album đạt đến đỉnh cao ban đầu nhờ sự chuyển thể triệt để nhưng dễ nhận biết từ Bộ tứ dây số 12 của Dvorak – biệt danh là “Người Mỹ” một phần vì tình cảm và nguồn cảm hứng từ các nhạc sĩ người Mỹ da đen như Harry Burleigh (như cũng như giai điệu của người Mỹ bản địa).

Chúng tôi có hàng chục bản tái hiện nguyên sơ, chính xác về điểm số của con ngựa chiến này; những người chơi PUBLIQuartet đã trực giác đúng rằng nó có thể chịu được một chút sáng tạo lại. Họ lưu ý rằng hiệu suất của họ đại diện cho “sự ngẫu hứng” trong tác phẩm. Họ thực tế vẽ và làm quý chủ đề đầu tiên và thứ hai của phong trào mở đầu, giới thiệu hoặc trau chuốt chúng bằng những điểm nhấn sơ sài, thô ráp.

Trước khi phong trào tóm tắt lại những chủ đề đó, các cầu thủ cho chúng ta một khoảnh khắc sởn gai ốc. Sau khi hoàn thành phiên bản phát triển của mình, họ thực hiện giảm nhịp độ trước khi ứng biến chung trong chế độ blues với sức hấp dẫn rộng rãi.

Vài giây sau, khi nhóm quay lại với âm thanh lấy cảm hứng từ Mỹ của chính Dvorak, có một ý tưởng mới không có trong các album khác với nguyện vọng tương tự: gợi ý rằng động lực của nhóm, cũng như các diễn giải cá nhân, là điều cần thiết cho âm nhạc Mỹ. Nó sẽ không giải quyết được các vấn đề của đất nước, nhưng khi các định nghĩa về tinh thần Mỹ đương đại đi, đó là bản thu âm mà tôi sẽ phát cho những người thân yêu vào ngày 4 tháng 7 này.



Nguồn The NewYork Times

Bài viết liên quan

BÌNH LUẬN

Vui lòng nhập bình luận của bạn
Vui lòng nhập tên của bạn ở đây
This site is protected by reCAPTCHA and the Google Privacy Policy and Terms of Service apply.

Bài viết mới nhất

Kết nối với chúng tôi

333Thành viênThích
269Người theo dõiTheo dõi